Les règles strictes de l'Académie
Au milieu du XIXe siècle, la peinture française était sous le contrôle d'une seule institution soutenue par l'État : l'Académie des Beaux-Arts et son exposition annuelle, le Salon de Paris. Être admis au Salon constituait presque l'unique voie légitime dans la carrière d'un peintre ; le jury récompensait les scènes historiques et mythologiques, les surfaces lisses travaillées à coups de pinceau fins et les figures idéalisées, tout en rejetant largement les œuvres traitant de la vie contemporaine ou réalisées avec une autre technique. Ce système de sélection rigide suscitait un mécontentement croissant chez une jeune génération de peintres travaillant en dehors des normes académiques.
Un précédent : le Salon des Refusés de 1863
L'idée d'une exposition indépendante des impressionnistes n'était pas entièrement sans précédent. En 1863, lorsque le jury du Salon de Paris refusa une part exceptionnellement importante des œuvres soumises cette année-là, l'empereur Napoléon III intervint pour faire ouvrir un lieu séparé où les œuvres refusées pouvaient être exposées : le « Salon des Refusés ». Cette exposition, où figurait notamment le tableau d'Édouard Manet « Le Déjeuner sur l'herbe », jugé contraire aux normes morales de l'époque, suscita moqueries et vive réprobation du public, mais créa néanmoins un précédent important en remettant en question le monopole du jury officiel. En ce sens, l'exposition de 1874 représentait l'étape suivante : des artistes s'organisant entièrement de leur propre initiative plutôt que de dépendre de la bienveillance d'une institution officielle.
L'idée d'une exposition indépendante
En 1874, un groupe d'artistes réunissant notamment Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Alfred Sisley et Paul Cézanne fonda une coopérative nommée « Société Anonyme des Artistes, Peintres, Sculpteurs, Graveurs » et décida d'organiser sa propre exposition sans attendre l'approbation du Salon. Leur objectif était de créer une plateforme indépendante où ils pourraient exposer leurs œuvres selon leurs propres choix, et non selon le goût du jury. Le 15 avril 1874, dans l'ancien atelier du photographe Nadar à Paris, cette exposition ouvrit ses portes, présentant 165 œuvres de trente artistes.
Comment le mot « impression » a donné son nom à un mouvement
Parmi les œuvres exposées figurait un tableau de Monet représentant le port du Havre au lever du soleil, peint à coups de pinceau rapides et esquissés. Ayant besoin d'un titre pour le catalogue, Monet estima que l'œuvre ne représentait pas une scène précise mais une « impression », et la nomma « Impression, soleil levant ». Le critique Louis Leroy, en visitant l'exposition, se moqua de ce titre dans un article et qualifia les artistes d'« impressionnistes » — son intention réelle étant de sous-entendre qu'il jugeait l'œuvre inachevée et négligée. De façon inattendue, plutôt que de rejeter cette étiquette moqueuse, les artistes du groupe l'adoptèrent et commencèrent bientôt à se désigner eux-mêmes ainsi.
La naissance d'une technique
Ce qui unissait les peintres impressionnistes n'était pas une règle stylistique unique, mais un objectif commun : capter la lumière et l'impression fugace d'un instant. Avec la diffusion des tubes de peinture et des chevalets portatifs, les artistes quittèrent l'atelier pour travailler directement en plein air, peignant à plusieurs reprises le même paysage à différentes heures du jour afin d'observer comment la lumière et la couleur changeaient. Plutôt que de mélanger soigneusement la couleur en atelier, ils appliquaient des tons purs et non mélangés en petites touches rapides juxtaposées, faisant confiance à l'œil du spectateur pour les fondre optiquement. Aux yeux des critiques académiques de l'époque, cette approche paraissait « inachevée », mais pour les artistes eux-mêmes, l'objectif n'était pas le détail, mais la capture de l'atmosphère fugace d'un instant.
La réaction des critiques et du public
Les réactions à l'exposition ne se limitèrent pas à l'article moqueur de Louis Leroy ; de nombreux critiques de l'époque qualifièrent avec mépris les œuvres des artistes d'« ébauches » ou d'« inachevées ». Une grande partie de ces critiques venait du fait que le public était habitué à des surfaces lisses, détaillées et « achevées » ; les touches lâches des impressionnistes et leurs taches de couleur apparemment aléatoires semblaient désordonnées à l'œil académique. Cependant, tous les artistes participant à l'exposition ne connurent pas le même accueil hostile ; les œuvres de certains, comme celles de Berthe Morisot, furent relativement mieux reçues. Sur le plan financier, la plupart des membres du groupe ne parvinrent pas à tirer un revenu suffisant de la vente de leurs œuvres pendant de nombreuses années ; Monet et Renoir, en particulier, connurent de sérieuses difficultés financières jusqu'à la fin des années 1870 et ne gagnèrent l'attention des collectionneurs — et la véritable valeur de leurs œuvres — que dans les décennies suivantes.
De l'exposition au mouvement
Bien que l'exposition de 1874 n'ait pas été un grand succès financier (elle attira environ 3 500 visiteurs et connut des ventes limitées), elle renforça la conviction du groupe quant à l'idée d'expositions indépendantes. Jusqu'en 1886, le groupe organisa huit autres expositions indépendantes ; la liste des participants et les œuvres exposées changeaient à chaque fois, et certains artistes finirent par suivre leur propre voie. Néanmoins, cette série d'expositions constitua l'un des premiers exemples concrets de rupture du monopole du système officiel du Salon sur le monde de l'art, et d'un modèle alternatif dans lequel les artistes pouvaient présenter leurs œuvres directement au public et aux collectionneurs.
Le rôle d'un marchand d'art
Le succès commercial que les impressionnistes finirent par connaître doit beaucoup au marchand d'art Paul Durand-Ruel. Durand-Ruel continua de soutenir le groupe en achetant et en exposant ses œuvres dès les premiers temps ; ses expositions organisées aux États-Unis dans les années 1880 — où, contrairement à l'accueil froid réservé en France, existait un marché plus réceptif à ce type d'œuvres — jouèrent un rôle déterminant dans la reconnaissance internationale de l'impressionnisme. Cette expérience devint, dans l'histoire de l'art, un exemple précoce de l'importance que peut revêtir la collaboration entre des groupes d'artistes indépendants et des marchands d'art entreprenants pour la survie et la diffusion d'un nouveau mouvement.
Une influence durable
L'impressionnisme ne resta pas seulement le style d'une époque ; il devint un point de départ pour le postimpressionnisme, le fauvisme et de nombreux autres mouvements de l'art moderne. L'idée qu'un artiste puisse construire une carrière indépendante sans l'approbation académique constitua un précédent déterminant dans la formation du monde de l'art du XXe siècle. Aujourd'hui, exposées dans des musées comme le musée d'Orsay et le musée Marmottan Monet, ces œuvres témoignent avec éclat de la manière dont un nom né d'une critique moqueuse en est venu à définir tout un mouvement artistique.